好莱坞强摄影指导马修是如何炼成的？

马修，如果单看一个人名，也许你不知道他是谁，因为世上叫马修的千千万万，那么加上马修·利巴提克，加上《梦之安魂曲》、《黑天鹅》呢？恍然大悟，原来是好莱坞强五大摄影指导之一，能配得上这个称谓的也就只有他们！

对于我们来说，他是“熟悉的陌生人”，因为我们看过他的《圆周率》 、《狙击电话亭》、《局内人》、《钢铁侠》、《黑天鹅》 、《诺亚方舟》等等作品，我们只能通过作品管中窥豹他的想法和艺术，然而对于他的创作历程以及摄影方法却一无所知。

今天，本文将还原这样一位摄影师，一位艺术家，一位徜徉在视觉领域的光影诗人。

父亲·起点

马修的爸爸是一名图片摄影师，可在马修看来，他没有任何兴趣去了解这些东西，小时候的他很希望自己成为一名音乐家。而选择加州州立大学是因为这所大学能够提供很好的棒球场，在那一阶段他更希望成为一名棒球手。

事情到了马修19岁开始发生变化，那一年他的叔叔给他看了他父亲在纽约的摄影展的图片，他开始次觉得父亲做了件很厉害的事，也次开始觉得各种各样的画面很有吸引力。然后才逐渐跟父亲了解摄影机的光圈、快门、iso等等技术环节的事情。这时候他才买了自己台照相机，希望能够拍点照片。

搭档·崭露头角

随后，在AFI(美国电影学院）进修电影制作的课程时，他遇到了他一辈子的合作伙伴——刚从哈佛大学毕业的达伦·阿罗诺夫斯基（《黑天鹅》，《梦之安魂曲》导演）。据他回忆，那时候的他俩都喜欢说唱音乐，并且很喜欢一起研究大卫林奇以及吉姆贾木许的电影。在那一时期，他喜欢的电影摄影师是《教父》的摄影指导戈登·威利斯，他从他那里学到一句话可以说影响终生：不要去太关注哪里需要光，而要去看怎么制造阴影。

尽管马修也学习着去模仿这些大师前辈，可据他回忆，他仍然是班里成绩很差的，甚次当达伦·阿罗诺夫斯基找班里同学做摄影，都没有选择他，理由非常简单，那就是认为马修技术太差。这件事情对马修的刺激非常大，他开始非常努力的去学习练习摄影技术，直到有达伦·阿罗诺夫斯基又回来请他做他下一部电影的摄影。然而这一次合作的《圆周率》，却让两个人开始在国际影坛崭露头角。

马修电影摄影中的五大要素

一.镜头

谈到如何在拍摄前确定机器和镜头，马修说他通常会把能测试的镜头都测试一遍，我们所熟知的MP,UP甚CP还有佳能的EF头他也要全部拿过来测。因为马修认为，重复的使用同一款机器或者镜头会让你觉得很“舒服”，很“放心”，但是你的创作也会因此没有创造性。他还举例：很多时候测完了觉得可以，可是到了快开拍前，他又觉得有些东西试一试更好。于是在《诺亚方舟》开拍前4天把一组镜头全换了，仅仅只是因为对某些不太了解的镜头想试看看究竟效果如何。

二.色谱系统

说到这套让马修成名的“色谱系统”或者说“故事线性分解系统”，很多可能觉得是大师精心设计并优化的一种准备工具。而实际上，这套系统的起源会令你大跌眼镜，因为在初，这种纪录的方式是他高中给自己用来作弊的。据马修回忆，在高中时期他每次想作弊就会把东西记在手上以便考试时候抄袭，后来慢慢他发现如果记录在一张小纸上会更清楚点，之后他又觉得如果加上一点颜色给小抄上的会更加便于作弊，于是便开始加颜色，一直到了后来，当他不作弊了，这类方法也能很好的帮助他学习记忆很多事情，也渐渐成为了他为每部电影做准备必须的一个环节。

从《老虎营》开始，他开始次尝试制作这样的系统，他认为这种色彩系统很自然的让他成为了整个电影视觉上的，也能够一步一步的向着自己想要的感觉推进，并且很多时候，当这个表制作完毕，所有工作人员都能很好的知道目前的拍摄进度以及所需注意的提示，整个的工作流程变的非常有效率起来。马修甚说到，现在他对于这套工作方法有一种上瘾的感觉。其中横轴线（时间顺序）上的字代表每场戏，涂上的颜色代表着自己对于这场戏情绪的理解，这里他说每个颜色的定义可以因人而异，自己记住相应颜色的代表意义就行。

三.选景

在选景方面，马修跟很多摄影指导有所不一样，他更倾向于将演员考虑进去，他举例《钢铁侠》时期，他就很详细的参考了小罗伯特唐尼的个人形象，衣着搭配，是否能够跟整个场景产生化学反应。还有一点，也是更细节的一点就是，角色本身的个性和状态是否和整个选景的气质符合，譬如在《钢铁侠》这场沙漠戏份里，托尼史塔克的状态就很搭这个沙漠的氛围。

四.低预算

马修对于这个话题有很多话想说，早在《圆周率》时期，他就一直在与这个问题作斗争，他说到，为了能有更多的钱去买胶片，或者多支一盏灯，他不得不去自己同时担任摄影指导，掌机，司机，制片。他同时认为低预算之下，摄影师需要去想一个问题，就是如何利用自己在拍摄开始所犯的错误，积累教训之后坚决不犯。

另一方面，他也承认，想要低预算又要很高的图像质量，是很难的。但这不能阻止电影人拍出一部优秀的影片，他以斯派克李为例，他认为斯派克李拍摄的很多短片都使用了家用录像机，也存在许多技术上的问题，但并不妨碍这些短片得到观众的喜爱，因为终人们看的还是你要说的故事，摄影只是其中一个环节。

五.团队建设

在剧组里，仅仅一个摄影指导是不够完成全部拍摄的，掌机、跟焦员、斯坦尼康师、灯光都是摄影部门不能缺少的人员。那么作为好莱坞的摄影指导，他是怎么挑选团队的呢。马修说，他的理论跟别人很不一样，他喜欢自己的团队全部都是熟人。这时就遇到一个问题，不见得去到任何地方都有熟人。这里马修给出的建议是：尽量在入行的初期不断的去认识行业内的人，并且更多的参加拍摄活动，等到了一定年限后，你会发现身边汇聚了一大帮志同道合又有能力的人，并且大家都来自五湖四海，以后每到不同的地方就采取“就近原则”，把附近的自己认识的人召集过来一起拍摄。

而谈到比较涉及到难度的航拍，水下拍摄，斯坦尼康的人员时，马修说，这里关键的不是这些人的技术够不够火候，而是这些人里，哪一个的性格适合这个剧组以及具体的导演。因为很多具体工作岗位的人不愿意重复排练，这是非常个非常棘手的问题。技术上的东西反倒不是应该考虑的。

一.误差

到了拍摄现场发现之前的设计的场景发生了改变，机器没法如愿在具体地点架设，需要做的道具没有到位，应该如何解决？马修的经验是一定要以快的速度做到随机应变。马修认为有时候因为实际拍摄场地出现误差，反倒给了他更多的灵感，所以有时候到了现场发现环境跟想象的不一样，完全没必要为此伤脑筋，只需要在现有的基础上去做就行。说到这时，马修甚拿我们采访的房间为例，他说他认为如果灯光从地面打到天花板再反到他脸上或许是个更好的灯光，再或许，把采访的房间的墙给砸了，再换成一面玻璃，或许又有更好的效果，他提醒摄影师，无时无刻都要换不同的思维去思考，误差存在于拍摄过程中的方方面面。

二.过场戏

许多人都想知道好莱坞摄影指导如何拍摄每部电影的过场戏，这里马修认为需要找到的天气然后一遍拍过，不要尝试去排练太多次，这是他在片场学到的东西。

三.长镜头

说到长镜头，就不得不提他的《黑天鹅》，里面大量的长镜头衔接的非常棒，但是大家也许不知道，其中很多镜头就是他自己用5d2搭配着EF镜头拍摄的。在长镜头的拍摄前，他会亲自背着单反装好稳定器全程排练一遍，再叫上3个摄影助理按照他的路线走一遍，从中定好终方案，在此之后再换上电影机器让斯坦尼康师按照他们研究的路线角度走一遍，这里他觉得只有自己亲自体验了整个路线，了解灯光的方向，才能很好的把个人设计与感受全部告诉自己的斯坦尼康师，不然会浪费更多的时间让斯坦尼康师不停地走位。

四.后期空间

很多人看来前期的失误都可以靠后期补救，然而马修却并不这样认为，他则觉得好的摄影师需要在前期做到满，拍摄《诺亚方舟》时就不会给后期留更大的空间时，或者使用更多的绿幕蓝幕时，他认为除非必要，不然不要认为后期能够有多少的补救的可能。

胶片对于马修的吸引力

马修对与器材并没有任何品牌上的偏好，他的理论是，一旦你只选择某种器材，其实你的电影就失去了创意。但是同时他也认为如果一定要让他选择一种拍摄电影的媒介，他还是更爱胶片，因为他个人很喜欢那种拍摄胶片时的神秘感，掌控感。那是一种除了摄影师之外没人知道终成像的快感。

马修对于自己的认识

对于有人评价他是新好莱坞摄影指导的代表这个说法，他则表示非常开心听到这样的评价，因为以前在学校时候很多人瞧不起他，也不认可他的能力。所以能做出成绩得到认可是他很开心的一个结果。但同时他也承认自己与那些同时期的摄影指导相比还有很多差距，他举例《地心引力》的摄影指导艾曼努尔·卢贝兹基就是非常非常厉害的人，认为自己没法子像他一样去开发新的系统，他也没有开发新系统的兴趣。

展望未来，大师一样也会有压力

作为摄影大师，马修并不轻松，对于未来，他同样有着担心，因为他是一个对机器、对程序并不特别敏感的人，马修单担心，未来编程人员将成为编程人员，因为设备不断更新，很多操作都被机器替代，并且比人工更加精确。

寄语后辈，珍惜眼前，训练自我

对于年轻的后辈，马修认为自己当时在基础以及条件都不好的条件下都坚持下来了，希望有用条件的后辈们好好珍惜这样的机会，同时为后辈们提供了一个简单的训练方法：少的镜头少的演员去说一个短的故事，限定镜头、演员，考验自己究竟能拍出怎么样的故事。