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经常关注说唱综艺的朋友应该对《说唱新世代》并不陌生！该节目可谓说是今年综艺节目中的一匹黑马，豆瓣评分高达9.2。
《说唱新世代》是哔哩哔哩出品的说唱音乐类节目，由黄子韬担任说唱基地主理人。该节目，目前已经播出九期，下周即将收官。节目将汇聚来自全国各地的rapper，齐聚“说唱基地”。他们将通过层层公演考核，以音乐创作和竞演表现，决出代表新世代发声的“世代表达者”。
作为B站自制的第一部综艺节目，就拥有如此高的口碑，小破站的实力不容小觑。而这部拥有如此高口碑的说唱节目的导演正是一手缔造了极具国民度的综艺《极限挑战》的导演——严敏！
《说唱新世代》从节目“万物皆可说唱”的立意，到自身的内容逻辑再到后期制作，都可圈可点！本文，尚涛老师将从综艺剪辑的角度来为大家拉片分析，这部高口碑的综艺是如何缔造的！
《说唱新世代》的镜头剪辑分析
作为一档舞台竞演类综艺，好的舞台表现力是节目的灵魂。而优秀的作品、舞美还有流畅的运镜、剪辑(选手表演，灯光舞美，拍摄方案，后期剪辑)这些都是支撑舞台呈现的重要组成要素。这四点就像足球场上的配合默契的组合搭档，而剪辑就是最后的临门一脚，它决定着所有镜头的最终衔接观感。那么，今天我们就来聊一聊，这个节目剪辑部分的一些技巧应用。里面有很多方法，其实也可以借鉴到我们平时自己剪的视频里面来。
首先，第一部分，我们要讲得就是节奏，在以音乐为主要元素的视频剪辑中很多同学都把节奏简单的等同于—“踩点”，我们不否认这种与音乐节拍高度契合的剪辑方式让我们有一种强迫症被满足的爽感，但如果你全篇都这么做一是我们说如果你把所有的鼓点重音都踩中时，那么片子的整体节奏，反而就会与你渐行渐远了，所以在这里我要强调得是节奏不等于卡点，其实我们在剪音乐时，只需要踩中它30%——50%的节奏点就够了，我们要明白一个道理，月满则亏，如果你把所有的拍子都踩死，那么留给你的镜头运转空间就很少了，并且这样去剪片子镜头会切的很死板!那么有同学会问了，那合适的接法是怎样的呢？我们不妨来看接下来这组镜头！
这里我们看到了4个重音拍，而这组镜头采用了12不切34切的方法来踩点，我们不需要在每个重音上都切镜头，但是效果同样舒服。所以我们说，片子的节奏追求是一种情绪起伏变化，并不仅仅是踩拍子，节奏永远要服务于镜头内容，不能本末倒置。
再比如举个栗子！在说唱表演中每当歌手cue到场下选手导师的时候，都会给他们的反应镜头，场下观众反应的导入，使得舞台的情绪发生了变化或者是升级，这种变化，也是一种节奏。每次观众反映过后，现场情绪都得到了进一步的加强。具体我们来看一下，下面这个片段。
所以说，每个镜头，展现它最饱满的信息量，点到即止，及时切走，这就是镜头的节奏。所以依照刚才所讲，即使我们把声音关掉去看，镜头也应该是流畅且有节奏的！
是不是这样～所以我们在检查自己的片子的镜头节奏是否流畅时，也可以尝试这种方法。如果你的片子在关上音乐后画面就变得特别不流畅，或者镜头跳，那你的镜头组接，可能就属于这种，你我本无缘，全靠音乐连。一般这种情况下，我们就要在镜头衔接上多下功夫了。如果我们在剪辑中，把音乐关掉镜头也是流畅的，那么恭喜你！你的音乐和镜头匹配上了旗鼓相当的对手！谁也没有拖累谁，互相配合锦上添花。
刚才说完了，节奏踩点的处理方法，第二部分我们来聊聊这部片子在灯光运镜上的利用。对于说唱新世代来说，舞台并不大，机位也不是很多，那么如何合理利用有限的机位，配合灯光运镜，拍出MV的氛围或者是仪式感就显得尤为重要了，B站的传统历来是（省钱达人）小钱办大事，好钢用在刀刃上。我们可以看到这个节目有很多扫光和逆光拍摄的镜头，节奏慢的章节我们可以用叠化渲染出歌曲的氛围感和情绪，比如这样……
换一种处理方式，我们也可以利用逆光冲镜的瞬间，来作为我们镜头的剪切点，视觉上则更具有冲击力和节奏。比如下面这组镜头。闪光的位置不仅可以在前一个镜头的尾部几帧，也可以用作在后一个镜头的开头几帧，因为扫光会重置我们的视线位置，就像有个人在你眼前晃了一下，下一个镜头我们在视觉上会进行重新的视线跟踪，所以这种镜头后面，可以衔接的镜头选择也相对比较自由，这就是剪辑上对灯光的利用。当然灯光也可以用作节奏踩点，比如这种光线的变化正好卡在拍子上。所以利用好光影，对于片子的质感和节奏会有很大的提升。
最后我们要讲的是运镜，我们说运镜往往代表的是一种情绪，开头的第一番rap我们可以看到，因为情绪相对没有那么激烈，运镜也比较平稳，剪辑师也不会频繁的去根据节奏去踩点切镜头。比如这种，前面我们说运镜是一种情绪，情绪是有递进性的，情绪有激烈和平缓的区分的，在这里我们可以把情绪替换成镜头，再去体会这句话的涵义。所以我们的镜头要有快有慢，就和说唱一样，有副歌的柔情才能突出rap部分的力量，否则音乐就会很平，剪辑也是如此，随着情绪的深入，镜头切换的节奏逐步加快，当音乐进行到高潮时，这里用摇臂镜头扫过，带起了情绪的升级，镜头的切换频率和运镜速度也会推向一个前所未有的高潮，甚至可能会快过音乐节拍。
以上就是我想要说的片子的节奏要有一个，你想要向观众表达的重点。说唱节奏往往很快，如果前后镜头剪接速度没有分别，你的片子往往也无法达到你所想要的效果。就像我们去写一个字，落笔有轻有重，写出来的笔画文字才有力量！
想和大家说的是，剪辑视频不要一头钻进节奏卡点的死胡同，讲好故事，处理好情绪，配合好音乐和舞台的关系才是最重要的。
《说唱新世代》节目叙事逻辑
在第五期的淘汰赛竞演过后，不知道屏幕前的同学们，有没有自己心仪的选手遗憾离场，意难平的同学们可以把选手名字打在弹幕上。不过，既然是比赛有人离开是注定会发生的事。但是离开或者是留下的选手有没有被观众们深深记住?这才是节目组最为关心的重点。现在节目已经进行到第七期了，在看第七期节目的过程中我特意计算了一下舞台演唱部分的总时长，一共29分21秒，第七期节目的总时长是209分钟，舞台表演占总片比的15%左右。一般的歌唱类节目舞台表现部分所占片比大概是35%-50%，而新世代这个节目用了大量篇幅的真人秀去塑造人物形象，所以也可以看得出来，节目组并没有很想去强调赛制和输赢，只是想让观众记住并尽可能的爱上的每一个选手，就像周密同学说的那样，说唱其实只是这个节目的表现形式之一，而节目组真正想呈现的是这些性格各异的新世代。
不过这样用大量素材去塑造人物的节目呈现方法，只有两个缺点，一个就是后期剪辑压力真的很大，第二个就是每个选手淘汰，观众都想爆锤导演组。还记得节目的开篇，黄子韬问过的那个问题么，想要歌红还是人红，现在赛事过半其实严导已经给出了自己的答案。要让观众记住人，通过这种方式建立起粉丝粘度，从而使节目有着稳定且持久的口碑和热度。听起来是不是和《极限挑战》内容架构有些相似。不过不同的是，鸡条里的嘉宾都是已经出道的艺人，直接玩起来就是了，而新世代这个节目开篇时每个选手都是素人，想要观众认识并喜欢上每个人，剪辑需要在人物日常表现，性格，关系的刻画上要花的笔墨和功夫要多得多，就像明星养成游戏一样，不是一件容易的事。就算选手离开舞台也是给足了镜头和话语权，即使走反下场方向这种小细节也会剪出来，使人物呈现尽可能立体丰满，就好像告诉观众我们新世代从不淘汰无名之辈。以往的综艺都是嘉宾服务于节目主题，而这个综艺是节目服务每个选手，再通过选手热度反哺节目。
那么节目是如何塑造人物形象的呢？在这里我们拿tangoz举例，第六期的时候介绍了他是一名兼职rapper，引出业余rapper水平不一定业余的观点，从而引出tangoz对rap流派自己的看法从而引出《敌意》这首歌的背景，把人物故事和歌曲背景自然的串联起来，融为一体，从而使观众对人物和作品的印象都更加深刻，然后演唱完毕再加上作者对《敌意》的解读，所以纵观整个流程，节目没有把强弱输赢放到第一顺位，而是把故事完整性放到最优先位置，舞台演唱也可以看做，在这个小真人秀里，丰满人物的段落之一。
与tangoz相类似的还有第七期节目中的于贞表现上台前的部分，我们先来听一听，剪辑选了哪段后采剪了进去，概括一下这段话就是，我选了一首我最好的作品来演唱，这可能是我最后的一个舞台了。在后采中已经暗示了于贞后面比赛的结局，可能会被淘汰。要知道于贞是第一个返场挑战的选手。如果是比赛优先的逻辑，剪辑师可能会去剪悬念，虽然对手很强，但是我会全力以赴，这是我最好的作品，over到此为止。剪辑师在这里选择了从人物的心境处境出发去剪故事，而不是以上帝视角以比赛为中心去比较胜负。所以赛制在这里只提供一个类似战场的环境，而镜头和对白刻画的是每个鲜活的战士。让观众记住每个努力的选手而不是战斗谁胜谁负，谁走谁留，即使离开的人也是战士。从剪辑手法上来看这才是节目组想要表达的初衷。
类似的细节还有很多，比如在第六期宣布淘汰时，每个选手的离场过程中，始终都没有回闪他们演唱部分的镜头，而是完整的放出他们走下舞台到离场的每个动作神态。给足每个选手镜头，虽然缺点是会导致节目的节奏拖沓，但这是一个网综，每个观众手里都拥有快进键，把自主选择的权利交给观众手里。完整展现每个人物形象，从这一点上也能看出后期剪辑以人为本的初衷。所以想要歌红还是人红，严导已经给出了自己的答案。
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文/尚涛 来源/影视工业网（ID：iloveCineHello）
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